МИХАЙЛОВА Ольга Владимировна

Художники Тамбовского края.
История развития изобразительного искусства на Тамбовщине
с 1976 по 2006 годы

...Вкратце об общих тенденциях времени и художественной жизни, как в Тамбове, так и в стране в целом, можно сказать следующее. Период середины 70-х начала 80-х годов однозначно охарактеризовать трудно - это время противоречий, “оттепель” ушла в прошлое. Возобновился пристальный контроль государства за произведениями, представленными на выставках. Запреты определенных сюжетов и тем, “советы” художникам, что конкретно хотелось бы видеть в экспозициях залов. В Тамбове направление “советов” выявило само расположение города - черноземный регион: вокруг совхозы и колхозы. В графических и живописных работах распространены сюжеты изображающие трудовые будни или праздники села. Портреты как живописные, так и скульптурные работников села и города.  Нередким включением в пейзажи сельскохозяйственной технике, просторов вспаханной земли. Допускалось разнообразие стилей и направлений, определенная творческая свобода. Но они не могли нарушать устоев социалистического строя.  Идейно-политическая направленность художественных произведений должна была соответствовать партийно-государственным установкам. В тоже время государство поддерживало творцов стабильными заказами через Художественный фонд РСФСР, у ведущих художников произведения закупали и распределяли по музеям. Художники имели возможность общаться, совершенствовать свое мастерство посредством поездок на творческие дачи в Горячий ключ, Челюскинскую дачу, Вышний Волочёк и т. д.
В Тамбове художественная жизнь в этот период носила оживленный и стабильный характер, был востребован творческий потенциал людей. Существовал клуб творческих работников, где периодически проводились встречи художников писателей артистов. Тамбовские художники принимали активное участие во всероссийских, всесоюзных и зарубежных выставках. Зрелые сформировавшиеся живописцы А.П.Краснов, Е.В.Рябинский, Е.В.Соловьев полны сил и творческих замыслов, ими созданы новые этапные произведения, среди которых выделяются эпический пейзаж  “Земля тамбовская” (1984) Е.В.Рябинского и жизнеутверждающий по колористической разработке групповой портрет “Тамбовские конники” (1974) А.П.Краснова.
В области графики работают С.А.Никитин, А.Ф.Бучнев, С.Т.Куксов, В.П.Прибытков. У каждого из графиков к этому времени складывается свой стиль, свои графические приемы позволяющие придать наибольшую выразительность рисунку и своя тематика. А.Ф.Бучнев кроме графических произведений увлекается в это время созданием деревянной скульптуры в виде кресел и изделий более мелких форм. Благоприятным фактором для развития творческого потенциала становится открытие в  1973 году построенного по проекту архитектора А.С.Куликова здания для художественных мастерских. Графики теперь обеспеченны пусть небольшими, но персональными мастерскими (раньше работали по несколько человек в одной). Здесь же предусмотрена и двухэтажная скульптурная мастерская позволяющая создавать произведения монументальной пластики.  Среди тамбовских скульпторов в этот период плодотворной работой и разнообразием идей выделяются С.Е.Лебедев и К.Я.Малофеев. В 1972 году из Иваново переезжает в Тамбов заслуженная художница РСФСР Н.С.Балагурова безупречно владеющая искусством гобелена, помимо этого она работает и над станковой живописью преимущественно в жанре натюрморта. В области декоративно-прикладного искусства так же работают художники по гобелену А.В.Ладыгина, А.А.Разина, О.А. Голунова. Мастерством создания изделий в технике керамики владеют В.А.Пивоварова,  Н.Д.Колыхалова и А.И.Щербаков.
В 1983 году Тамбовская областная картинная галерея переезжает в новое здание в центре города. По проекту должна была начаться “вторая очередь” - строительство современного выставочного зала, но “гладко было на бумаге, да забыли про овраги”- денег на строительство не оказалось. В Тамбове по сей день существует проблема современного выставочного зала, под который стали использовать зал, предназначенный для экспозиции современного искусства - второй этаж картинной галереи. Именно здесь проходили и проходят сейчас Областные выставки Союза художников и персональные выставки художников. Оказалось не представленным современное искусство в экспозиции картинной галереи. С годами возникнет проблема отсутствия постоянной экспозиции лучших работ тамбовских художников в городе.
Почвой для размышлений о начавшихся переменах в общественном сознании станет Областная молодежная выставка 1988 года прошедшая в залах Тамбовской областной картинной галереи. На которой 47 авторами было представлено более 200 произведений. Перемены были слабы робки. Они проявились в подходе к отбору произведений для выставки. Это было сделано не выставкомом, а членами молодежного объединения. Демократизм оказался одним из важных принципов выставки - в экспозицию были включены не только работы авторов получивших специальное образование, но и тех, кто не имел “школы”.  Гладко все конечно не прошло, проверяющие чиновники нашли и к чему придраться и что убрать из экспозиции. Но цифра 47 говорила о том, что Тамбовская организация Союза художников РСФСР располагает значительным творческим потенциалом. 11 художников принявших в ней участие войдут потом в объединение “На крыше”. Грустно, что после 1988 года Областных молодежных выставок не проходило.
В 1997 году официально прекращает существование Художественный фонд РСФСР, государство более не дает оплачиваемых заказов, не оплачивает мастерские, заставляя художников искать самостоятельные пути выживания. Сокращается, если не сказать прекращается закупка произведений музеями. Часто произведения представляющие музейную ценность и интерес остаются в мастерских художников или, уходят в частные коллекции. Но отображать все лишь в темных тонах палитры было бы преждевременным. Как показывает долгий исторический путь человечества, искусство меняется вместе с условиями, переходя в новый качественный вариант.  Худший он или лучший судить потомкам.
Художники, работавшие в Художественном фонде выполняли огромную оформительскую работу по праздничному оформлению города к различным датам. В настоящее время оказалась сложным собрать фотоматериал по этим работам. Хотя прошло не более 15 -20 лет, их успели пустить в костры и на свалку. А ведь в них тоже история города и история творчества людей.
В последнее десятилетие минувшего века российское государство оказывается на перепутье: распад Советского Союза и последовавшее за этим неминуемое изменения ценностей и морали общества, поспешно переходящего от социалистических идеалов к капиталистическим стандартам. Казалось, что в начале 90-х Россия в очередной раз за свою историю подошла к краю культурного небытия. И как всегда бывает в подобных ситуациях, под основной удар попала творческая интеллигенция. Тамбовский Союз художников замер. Вполне закономерное явление надо сказать - когда все, что было в последние 70 лет, характеризуется знаком “плохо”, а что “хорошо” - еще никто не изобрел. Именно в этот критический период в Тамбове проходит ряд групповых выставок молодых художников, среди которых знаковой можно считать “Меру меда” - открывшуюся в 1993 году в залах Тамбовской областной картинной галереи. Выставка молодежная имела громкий успех. На ней были представлены работы пятерых тамбовских художников Андрея Бубенцова, Алексея Медведева, Александра Тормосова, Владимира Мягкова, Андрея Щербакова. Для Тамбова это было нечто новое в тот момент, был напечатан каталог работ, проведен аукцион. Выставка трансформировалась в объединение группы художников “На Крыше”, одним из организаторов которого стал А.Л.Бубенцов.
Художественное объединение “На крыше” имело свою предысторию. В середине 80-х в Тамбове начинает работать целая плеяда  молодых и талантливых  художников, среди которых выпускники Ленинградского института живописи скульптуры и архитектуры им. Репина А.А.Харитонов и И.Ф.Лимантова, закончивший факультет графики Московского института им. Сурикова Б.М.Ольшанский. Выпускники Пензенского художественного училища А.Л.Бубенцов, Б.В.Ткачев, О.В.Краскова. Индивидуально и по-новому в плане образного строя решающие графические произведения В.В.Мягков, А.Ю.Медведев.
На вопрос: ”Что такое для художника отсутствие мастерской?”, ответ очевиден - это отсутствие возможности полноценно творчески себя реализовать!  Небольшие мастерские в Союзе художников получили живописцы А.А.Харитонов и И.Ф.Лимантова. Остальные же будут искать выход из сложившейся ситуации каждый по своему: кто-то работать дома, хотя известно, что технологии масляной живописи плохо совместимы с жилым помещением, кто-то будет “искать свои углы” в больших оформительских мастерских. Обвинять Союз художников в невнимательном отношении к молодым творцам в этой ситуации также поспешно – здания, как известно, строят не из резины. Выходом из сложившейся ситуации явилось разрешение городских властей в 1989 году оборудовать технический этаж многоэтажного дома на улице Интернациональной под художественные мастерские. Не малая заслуга в этом принадлежала художнице Ирине Леонидовне Бирюковой, упорно обивавшей пороги властных кабинетов. Опыт общения с чиновниками существенно ей пригодится, когда в 2000 году она создаст  “Новую галерею” в здании сбербанка на улице Карла Маркса. Проявив себя, как прекрасный организатор и галерейщик, и при этом, продолжив работать, как талантливый живописец. Вернемся к мастерским, летом здесь было жарко, зимой холодно, суть дела то не в этом - люди получили возможность творчески работать.
Первая выставка объединения открылась 6 декабря 1994 года в зале областной картинной галереи.
Выставки художников “На Крыше” проводились по принципу представления зрителям только новых работ написанных в течение прошедшего года. Вспомним что, в советский период эпохальные произведения выставлялись неоднократно. Кроме того, в выставках могли принимать участие не только члены Союза художников России. Не было строгого подхода в отборе тем и сюжетов произведений.
В разные годы выставочной деятельности объединения принимали участие: М.В.Афанасьев, И.Л.Бирюкова, В.А.Бирюков, А.Л.Бубенцов, Н.Н.Воронков, Е.К.Егорова, П.Ю.Золотов, М.В.Зотов, О.А.Ивашенцев, В.И.Ковылин, В.И.Колесников, О.В.Краскова, А.Ю.Медведев, Н.А.Насонов, Б.М.Ольшанский, Т.А.Ольшанская, Т.Н.Петрова, Б.В.Ткачев, А.И.Щербаков.
Необходимо отметить тот факт, что в художественное  объединение “На крыше” пришли не только люди имеющие фундамент академического образования, но и творчески и личностно сформировавшиеся художники. Это сыграло свою роль в том, что в дальнейшем их творчество выходит на более высокий качественный уровень, но не претерпевает значительных изменений, сохраняя общие тенденции, наметившиеся в начале 90-х годов.
В 1995 году А.Л.Бубенцов впервые организовал и успешно провел групповую выставку тамбовских художников “На Крыше” в Москве в ЦДХ. В ней приняли участие шестеро членов объединения Б.Ольшанский, Н.Насонов, Б.Ткачев, А.Медведев, О.Краскова и естественно сам организатор выставки. Выставка проходила в одном из залов Центрального дома Художников на Крымском валу. В тоже время с этого периода художественное объединение “На крыше” хотя и не распадается, но вступает в фазу менее активной деятельности. В этом нет ничего удивительного, творческие люди индивидуалисты по своей природе, вспомним историю, ни одно творческое объединение долгожительством не отличалось. Начинаются разногласия внутри самой “Крыши”. В каталоге первой выставки “Художников на крыше” 1994 года Ирина Бирюкова предугадает всю суть грядущего лаконичными, но емкими строчками: “Не поучайте и не направляйте на путь истины. Не ополчайтесь на всем известное “I` art pour I` art”. Не сомневайтесь, что каждый художник - вселенная, и эти вселенные так же далеки друг от друга как разнесенные в пространстве и времени миры. ...Не спрашивайте, почему мы вместе. Разве судьба говорит: “Вот я пришла?”
В 1996 году А.Л.Бубенцов отстраняется от деятельности Художественного объединения, но к этому времени “Крыша” уже становиться  своеобразным лейблом, который продолжает притягивать зрителей и используется теми, кто не стоял у истоков создания объединения.
Собственно говоря “Крыша” как объединение просуществует с января 1994 по январь 1999 года. Декабрьская выставка 2003 года в Тамбовской областной картинной галерее обозначенная как юбилейная выставка художников “На крыше” была все тем же использованием устоявшегося лейбла, а не показателем что “крышевцы” и по сей день благополучно сотрудничают вместе.
Тем не менее, художественное объединение “На крыше” имело достаточно значимое место в истории художественной жизни города. Это поколение тридцатилетних художников приняло на себя рискованную роль поиска тех самых новых ценностей в новом государстве.  Такое стало возможным благодаря тому, что с одной стороны они родились и выучились  в советской  системе, (а советское художественно образование назвать слабым язык не повернется), но не успели закостенеть в идеях советской идеологии, были готовы к новым поискам и экспериментам. Они привнесут в экспозиции выставок абстракцию и авангард в живописи, батик в декоративно-прикладном искусстве. Кроме того, люди, входившие в художественное объединение, явились именно тем локомотивом, который смог вытянуть тамбовский Союз художников из состояния кризиса. Влившись, свежей кровью, в вены ослабевшей организации, они подняли ее на ноги. И здесь, кроме личного таланта и хорошего образования, не маловажным оказался тот факт, - что это было поколение творческой интеллигенции,  выстоявшее в круговерти 90-х годов, научившееся не ждать заказов и помощи от государства - рассчитывающие только на себя, свой талант, свои силы.
В 90-е годы ХХ века «Крыша» не являлась первым художественным объединением в городе, ей предшествовало Творищество «В гостях у архиерея» созданное группой художников и поэтов в 1988 году. Название возникло по расположению мастерских художников на территории бывшего архиерейского леса. Члены Творищества организовали ряд выставок  и периодически издавали художественно-литературный журнал “Неофит” - где отражали свою точку зрения на искусство. Творищество, тяготевшее к модернистским течениям, в частности авангарду и сюрреализму и восточным философско-религиозным учениям, имело своих почитателей в среде молодежи, но большой популярности не получило. «Крыша» в силу того, что большинство художников, входивших в нее, работало в жанре реализма, оказалась «доступной» в восприятии большему числу зрителей, а работы художников-модернистов лишь предали ее экспозициям долю пикантности и креатива.
Вернемся к общим тенденциям художественной жизни в городе. В начале 90-х в Тамбове некоторые художники, работавшие в технике графики, переходят к работе маслом, это было связано с несколькими причинами как дефицитом графических материалов в данный период, так и с арт-рынком, к требованиям и вкусам которого графика менее приспособляема. Меняется тематика работ. Если в 80-е были первые попытки работать, так как хочется, а не как требует власть, то теперь “творческого самовыражения” становится больше. Живописцы реже обращаются к созданию большеформатных многофигурных произведений. Зато в струе популярности заказные портреты полупарадного, или камерного варианта. Спросом начинают пользоваться небольшие пейзажные работы, хорошо вписывающиеся в интерьеры квартир. Если перефразировать известное выражение то получиться “кто платит, тот и искусство заказывает”.
Постепенно актуализируется тематика, связанная с религией - в пейзажи возвращаются стройные силуэты церквей. Картины О.А.Гущина “Оптина пустынь” (1997), Н.Г.Богданова “Летняя церковь Казанского монастыря” (1997). В тематических произведениях православные праздники: В.В.Сизов “В крещенскую ночь у Иордани” (1993-97); в натюрмортах культовые предметы - Н.В.Рябинская “Натюрморт с иконой” (1996). Керамистом А.И.Щербаковым в середине 90-х выполнена декоративная композиция “Купола России”, в которую вошли работы: “Вознесение”, “Спас”, “Святая Мученица”, “Три апостола”.
Стремление к прекрасному возвращает популярность натюрмортов с цветами. Одним из первых был натюрморт Н.В.Рябинской “Сирень” (1991), картина имела настолько значительный успех, что впоследствии художница не раз повторяла ее в различных вариациях. В дальнейшем поэзия мимолетной прелести цветов зазвучала в работах В.Н.Сизовой, Т.А.Ольшанской, в акварелях Л.А.Яковлевой.
Интересно, что в Тамбове формируются уже целые художественные “династии”, когда дети в творчестве продолжают путь родителей.
Как значительный положительный фактор можно отметить возобновившиеся в конце 90-х годов поездки художников за границу. Вспомним практику Императорской Академии художеств посылать лучших учеников в пансионерские поездки в Рим, в Париж для совершенствования мастерства. Это расширяет мировоззрение и мировосприятие живописца, графика или скульптора наполняя его новыми образами и новым колоритом, новым ощущением фактуры и форм предметов. Серии работ после поездок в Европу, Египет и Малайзию были созданы А.Л.Бубенцовым, О.В.Красковой, А.Ю.Медведевым, П.Ю.Золотовым, В.В.Мягковым,  П.А.Лужновым. Они  открыли российскому зрителю строгую чарующую красоту европейской архитектуры и яркий темпераментный красочный колорит Африки и Юго-Восточной Азии.
За границей выставки тамбовских художников проходят на высоком представительском уровне. В Люксембурге  на открытии присутствовали члены из мэрии, в Египте и Малайзии члены посольства России. По словам художников, приятно то обстоятельство, что мысли и чувства, которые испытываешь здесь, в мастерской города Тамбова, близки и понятны заграничному зрителю.
В 1992 году прекращаются поездки на творческие дачи, организуемые Союзом художников СССР, но осталось содружество художников, осталась тяга к творческому общению, желание к совместной работе, в результате чего было принято решение о создании международной общественной организации художников “Солнечный квадрат”, одним из организаторов которой становится А.Л.Бубенцов. В выставках “Солнечного квадрата” в разное время принимали участие члены тамбовской организации Союза художников А.Л.Бубенцов, О.В.Краскова, А.Ю.Медведев, В.И.Колесников.  Выставки  проходили в России в Москве в залах ЦДХ, Манежа, в муниципальных галереях, а также за границей в Люксембурге, Франции,  Белоруссии, во Вьетнаме и Индии.
Оценка современного состояния искусства, современных работ художников сложна - она как бы всегда считается предварительной. “Качество” и ”значительность” категории времени. Да должно пройти время, чтобы все понять переосмыслить. Только вот если современному искусству не уделять внимания, ничего не писать, ожидая того “потом”, то оценивать “потом” будет нечего кроме “белых пятен”. Люди не вечны, произведения искусства сейчас все чаще “уходят” в частные коллекции, проследить их дальнейшую “судьбу” бывает очень сложно. В отличие от экспонатов находящихся в фондах музеев. Известно, что В.И.Михайлов много времени провел в архивах разыскивая крупицы информации о художниках работавших в Тамбове в ХIХ - начале ХХ века. Глупой и нелепой будет ситуация, если через лет сто исследователям придется по крупинкам собирать информацию о творцах Тамбовщины конца ХХ начала ХХI века. Именно поэтому, чтобы избежать подобной ситуации была задумана и создана эта книга, сохранившая на своих страницах произведения искусства и мысли художников наших дней.

I   Г Л А В А.   Ж И В О П И С Ь.

СЮЖЕТНЫЕ КАРТИНЫ.
Историческую картину нельзя назвать распространенным жанром в творчестве тамбовских живописцев. Для этого есть свои причины. Она сложна в исполнении, требует большой подготовительной работы - изучения источников и материалов раскрывающих сущность предполагаемого к изображению события; значительных физических и материальных затрат, т. к. нередко предполагает большие размеры холста и сложные многофигурные композиции. Кроме того, увы, не востребована в настоящее время. Чаще всего подобные работы остаются в мастерских художников. “Времена Третьякова” минули, новое поколение меценатов в российском обществе пока не сформировано, (во всяком случае, на данный момент только в сфере антиквариата), музеи же оказываются не в состоянии приобрести полотна из-за отсутствия достаточного финансирования на закупку произведений.
На рубеже 70-80-х годов ХХ века в историческом жанре в Тамбове работает Алексей Павлович Краснов. Им были созданы новые тематические картины, продолжающие рассказ о жизни русской деревни конца 1920-х - начала 30-х годов в  эпоху коллективизации: “Хлеб нашли” (1977. ТОКГ) и “Первая весна”(1980. ТОКГ). Художник открывает перед зрителем занавес на противоречивые события первых десятилетий ХХ века, свидетелем которых он был в детские годы.
В 90-е годы к этому жанру обращаются БМ.Ольшанский и В.В.Сизов. Борис Михайлович Ольшанский тема духовности занимает одно из центральных мест в работах живописца, но если другой тамбовский художник В.В.Сизов обращается к современному состоянию духовности общества, то Б.М.Ольшанский к корням, к истокам - к древнеславянской истории, теме столь редкой в творчестве не только тамбовских художников. Созвучны живописцу и исторические события России ХVII - ХVIII веков. Вторая сюжетная линия в произведениях художника связана с таинственной недосказанностью востока, с его пряными ароматами и коварными улыбками сладкоголосых гурий.
Перед созданием произведений стоит серьезная подготовка. Б.М.Ольшанский, обдумывая сюжет и композицию произведения, параллельно изучает материал, раскрывающий данный период истории, в том числе, естественно, археологические источники, что дает зрителю восприятие сюжета максимально приближенно к тому, что могло быть - серия работ связанных со славянской историей - “Твой щит на вратах Царьграда” (2006), “В лето 907 идущие на  Царьград” (2006) .
Бытовой жанр находит отклик в  картинах Акима Васильевича Арбузова. Красной нитью в его творчестве проходит военная тематика близкая сердцу человека, прошедшего войну. Картина “Мать” (1987) - прообраз героини списан  художником со своей матери, потерявшей в войну двух сыновей. Деревенская изба, зритель не видит солдат, но их присутствие художник обозначает через задумчивый взгляд сидящей у  окна пожилой женщины, направленный на стоящие у лавки автоматы и шинель. Возможно, заботясь о солдатах зашедших на постой, она вспоминает о своих сыновьях. Приглушенный колорит характерен и для других произведений живописца. Художник, в трудном военном периоде старается найти струнки человеческого тепла, заботы, гуманности: картина “В тылу врага”, или радости послевоенной жизни проявившейся в работах: “Вернулся” и “Родина” (2005),
До жанрового звучания расширен пейзаж Анатолия Васильевича Фалеева “На братской могиле у деда”(2005). Вечное сочетание смерти и продолжения жизни, светлый обелиск с красной звездой на фоне ярких красок молодой листвы весеннего леса.
В 1986 году Юрий Павлович Новиков пишет картину “Призывники”, косвенно затронувшую сложную, больную для государства, ситуацию с нахождением советских войск в Афганистане, поэтому картина вызвала споры при принятии решений о ее показе на выставках. Автор раскрывает происходящее не напрямую, а через сложное психологическое состояние персонажей. Нет пафоса и парадности ситуации, тема размышления, раздумий о судьбе молодых ребят, куда они попадут, как все сложится. Общее состояние задумчивости отражено на лицах призывников в белых рубашках, в глазах седых ветеранов,  строг, сосредоточен и как-то немного растерян офицер, сопровождающий новобранцев.
Образы, будничная жизнь и праздники российской деревни нашли яркое и разнообразное отражение в полотнах тамбовских живописцев.
Большое жанровое полотно “Сельская свадьба” (1979) Евгения Владиславовича Рябинского. В картине сложившийся образно-пластический живописный язык  мастера позволил свободно передать и атмосферу веселья и радости. Кажется, природа радуется происходящему событию вместе с людьми, и художник выразительно решил построение сложной наполненной динамикой и экспрессией движения композиции.
Анатолий Петрович Маринин  работает в  Тамбове с 1978 года после окончания Киевского государственного художественного института. Сюжет созданной им в 1979 году картины “Первое радио на селе” традиционен для того времени. Сдержанный не броский колорит будет присутствовать и в последующих работах живописца. В жанровой композиции “Отчий дом” живописец открывает зрителю прелесть деревенского интерьера, картина наполнена воздухом и светом, льющимся из открытых окон с легкими занавесками. В серебристом колорите деревянных стен потолка и зеркала между окон цветовым акцентом звучит яркая красная рубаха мужчины и красные спелые яблоки на круглом столе. Свернувшийся клубочком кот на сидении стула вносит нотки покоя и уюта в композицию.
Алексей Анатольевич Харитонов свободно работает в разных жанрах: портрет, пейзаж, натюрморт, тематические картины. Сельская тема интересно раскрывается А.А.Харитоновым в большом живописном полотне “Новый дом” (1984). Художник поэтически светло ведет образный рассказ о рождении новой сельской семьи, живописцу удалось создать в работе атмосферу  наполненного теплом летнего утра.
Ирина Феликсовна Лимантова впервые принимает  участие в зональной выставке 1984 “Край черноземный” с жанровой работой “Хлеб привезли”. Которая была положительно отмечена искусствоведами. Впоследствии картина неоднократно экспонировалась, в том числе и на заграничных выставках. Картина явилась в некотором роде развитием сюжета дипломной работы в “Сельском магазине”.  Но, обдумывая дальше тему, художница создает необычайно цельное и гармоничное произведение, как в тональном, так и в пластически-образном решении. Колорит нежен и живописно сложен, картина одновременно кажется “дышит” морозной свежестью зимнего  утра и теплым ароматом, только что выпеченного хлеба. Грациозно и ловко найдено движение молодой девушки-продавщицы легко несущей лоток с хлебом, ее белый халатик и головной убор гармонируют со снегом, легкий румянец и лучистый взгляд притягивает внимание зрителя к лицу.
В начале 90-х годов Елена Евгеньевна Ляпина от плакатов переходит к живописному решению работ. Как  наиболее интересные здесь можно выделить “Манин день” (1993-95) где применены декоративные элементы в построении композиции и “Скоро март” (1998) художнице удалось уловить и выразительно передать нестойкую ветреную погоду, надвигающееся весеннее состояние природы.
Тематические картины от исторических отличает ряд моментов. В Тамбове тематические размышления нашли свое отражение в творческих поисках ряда живописцев Б.М.Ольшанского, О.А.Гущина, Ю.И.Киселева, А.Л.Бубенцова, О.В.Красковой, В.И.Колесникова.
В советский период сюжеты связанные с Библейской тематикой практически не находят отражения в картинах живописцев, религия под запретом. Свято место пусто не бывает - музеи, театры, библиотеки становятся храмами искусств, заполняющими пустоты в душах. В 90-е годы, когда церковь возвращает свои позиции, религиозные сюжеты появляются в картинах художников на новом этапе. Это как традиционные Библейские притчи, выполненные в академическом ключе, хотя сюжетно осовремененные -  картина Б.М.Ольшанского “Изгнание торгующих из храма” (1993) так и тема явления в мир реальный святых и ангелов, проявившаяся в творчестве Юрия Ивановича Киселева и Олега Александровича Гущина. “Осенние колокола”(1997) Ю.И.Киселева, золотистые тона легкие шаги небесного посланца по опавшей листве,  таинственность. В композиции О.А.Гущина “Оптина пустынь” (1997) основное пространство холста занимает голубой небосвод с появившимся образом Богоматери, в нижнюю часть композиции органично вписана храмовая архитектура.

Тематическая живопись интересно раскрывается в картинах творческой супружеской пары А.Л.Бубенцова и О.В.Красковой.  Андрей Леонидович Бубенцов родился в селе Ново-озерское Кытмановского района Алтайского края в семье педагогов. Изобразительным искусством начал заниматься с  детства в изостудии в Мичуринске у А.В.Платицина. Позже учился в Пензенском художественном училище им. К.А.Савицкого (1979-83) и в Московском полиграфическом институте (ныне Академии Печати) на факультете художественно-технического оформления печати. С 1983 года работал в Тамбовских художественно-производственных мастерских художником оформителем. Параллельно занимался графикой, работал практически во всех видах печатной и уникальной графики, с 1985 года принимал участие в выставках. В 1991 году вступил в Союз художников, с этого же времени А.Л.Бубенцов переходит от графики к живописному решению работ. Основной (первоначальной) считает выставку “Мера меда” на ней художником было представлено более 30 произведений, которые накопились после поездок в молодежных потоках.
Ольга Вадимовна Краскова родилась в Волгограде. Окончила Пензенское художественное училище им. К.А.Савицкого в 1984 году. При поступлении выбрала театрально-декоративное отделение, оно в отличие от живописно-педагогического позволяло студентам творческие эксперименты -добавление в краску различных фактур для получения более интересной основы, работу мастихином, набрызги и т.д. Кроме этого привлекал и тот факт, что многие известные живописцы Серебряного века начинали свой творческий путь с работы в театре.  В Тамбов О.В.Краскова приехала в 1984 году, первоначально работала в Тамбовском драматическом театре им. Луначарского, оформила более 10 спектаклей. В это же время создавала различные костюмы, стилизованные в русском стиле, которые были весьма успешно представлены ей на Всесоюзной молодежной выставке 1988 года.
Для дальнейших творческих поисков художественного развития потенциал, как говорят сами художники, был получен во время поездок на творческие дачи и в молодежных потоках, проводимых Союзом Художников СССР (1987-1992). Связи и дружеские контакты, завязавшиеся еще в те годы между художниками, поддерживаются до сих пор, они встречаются на выставках в ЦДХ на Крымском валу, приглашают друг друга на персональные выставки.
В картинах А.Л.Бубенцова  много импровизации, работы с поверхностью холста, с фактурой, смелые и оригинальные эксперименты с формой холстов и подрамников: композиция - “Венецианские маски” (2003), работы “Нить Ариадны” (2004), “Руно” (2004). В картинах есть своя философия, свои идеи, которые хочется донести до сознания зрителя. Поиск смысла и образов в композициях “Чаши”. Художник продолжает работу, начатую в 90-е годы, над образами архаических животных неуловимо напоминающих сюжеты древних наскальных росписей. Картины “Вольный бег”, “Охота”, “Свободное движение” (2005).
На протяжении нескольких лет художник развивает тему “Дождя”, используя как технические вариации при нанесении красок на холст, так и работу над глубиной и выразительностью художественных образов. Тема появилась в начале 90-х годов, импульсом к ее возникновению явилось наблюдение сильнейшего ливня на улицах Тамбова, когда художник шел работать в мастерскую. В результате десятки вариантов работ с “образом зонта”. Зонт  интересен как форма в пластически-живописном решении.
Затем художника увлекло дальнейшие развитие темы цирка и близких к ней по сюжетам цикла шуты и короли, тем шахматной игры в картине “Антракт”- три клоуна-арлекина пьющие кофе в короткий момент отдыха между выступлениями.
Обращение О.В.Красковой к жанру тематического произведения - естественное желание художника расширить диапазон своего творчества, картина “Волхвы” (2006) создавалась художницей в период рождественских праздников, композиция задумана не как рассказ о произошедшем, а как ожидание события, чуда, что нередко бывает более эмоционально ярко окрашено, чем реакция на случившиеся. Лаконичность в трактовке образов не лишает картину глубины смысла, удачно найдено и сгармонизированно цветовое решение композиции в бирюзово-золотистых тонах.
Среди тематических произведений Владимира Ивановича Колесникова оригинальностью пластически-живописного языка отличается ряд картин “Победитель”(2003)  подготовленных к выставке, посвященной денежным знакам, прошедшей в зале Новой галереи.
Юрий Дмитриевич Петров его тематические картины включают широкий спектр философских размышлений: о параллельности миров мужчины и женщины “Игра в шахматы”; триптих “Притча о мыльном пузыре” (1990) повествует о хрупкости и недолговечности земной жизни, призывая дорожить ее каждым мгновением.

Индивидуальностью восприятия окружающего мира проникнуто творчество Олега Алексеевича Гаврилова. На первый взгляд его картины нередко интерпретируются как абстрактная живопись, но если более внимательно разобраться в истоках творчества художника подобная трактовка его произведений окажется не верной. Художник родился в 1962 году в Тамбове. Окончил художественно-графическое отделение Тамбовского педагогического училища № 2  и Московское высшее художественно-промышленное училище. По возвращению в Тамбов работал в сфере дизайна с оформлением интерьеров. Работа над интерьером - это работа над образом, эксперименты с пространством, формами, освещением, соотношением цветов. Это абсолютно другое восприятие окружающего мира, чем у живописцев, которое и приведет к созданию произведений художника. Многие картины связаны с игрой света - “Стремление к свету”,  “Луч света”, “Всполохи”.  Поиски автором цветовой гармонии и движения особенно выразительно проявились в триптихе, состоящем из картин “Движение”, “Движение цвета”, “Маленькая поэма о цвете”.  Последняя это сложная живописная структура, переплетения различных цветовых оттенков и в то же время все гармонично и целостно. К натуралистическому восприятию близка работа “Рыбки”, где в переливах холодной прозрачной воды отчетливо прослеживаются силуэты играющих рыбок. Мир ярких и светлых мгновений, положительных эмоций передает зрителю композиция “Делюсь радостью” (2003). Не даром считается, что цвет обладает способностью к самостоятельному выражению ощущений и чувств, предполагая аналогию цветовых ассоциаций с музыкой.

ПОРТРЕТ.
Типология портрета в творчестве тамбовских художников с первого взгляда может показаться очень обширной: это групповые,  парадные, полупарадные и частные индивидуальные или камерные. Но при более глубоком анализе выделяются свои сложившиеся в Тамбове стереотипы и предпочтения - чаще всего портретируемый изображается в интерьере или обстановке рассказывающей зрителю о увлечениях интересах и характере человека. Парадные портреты нередко выполняются для учреждений,  изображают каких-либо исторических деятелей. Полупарадные - фронтовиков. Среди людей, чьи деяния так или иначе связаны с Тамбовщиной, у художников популярны портреты Г.Р.Державина и С.В.Рахманинова, причем во всех видах искусства.
Групповой портрет “Тамбовские конники” (1974. ТОКГ) А.П.Краснова; “Групповой портрет участников выставки”(1988),  “Групповой портрет тамбовских художников” (1992) В.В.Сизова. В творчестве И.Ф.Лимантовой обращение к этому типу, как к портрету семейному, картина “Октябрь в пригородном лесу”(1987).
Характерное явление середины 70-х начала 80-х годов создание портретов тружеников села, служащих и рабочих города. Е.В.Рябинский “Депутат райсовета доярка Н.Загуменова” (1973 ТОКГ), “Председатель сельсовета В.Рак” (1975 ТОКГ), Е.В.Соловьев “Аппаратчица С.Николаева” (1972), “Портрет эксперта-криминалиста Г.Лунина” (1977). В “Портрете строителя” (1979. ТОКГ), написанного В.М.Семеновым, заметна уверенная манера, фактурное наложение мазков. Автором удачно найдено соотношение холодных синих оттенков фона и освещения из окна с теплым тоном красного свитера. Удалось показать и характер портретируемого за счет выразительного спокойного взгляда.
В водовороте неспокойных 90-х годов Е.В.Рябинский обращается к теме Рахманинова, произведения которого были близки и созвучны художнику. Е.В.Рябинский выполняет серию портретов с разных сторон, раскрывающих образ композитора. “Сергей Васильевич Рахманинов. Прощание с Россией” (1992) - фигура композитора на фоне эпического пейзажа, при взгляде на картину ощущается драматическое звучание аккордов музыки, переживания и боль человека покидающего родину. “Сергей Рахманинов. Весна“ (1997) здесь совершенно иной эмоциональный настрой, композитор представлен в момент отдыха на своей малой родине - в усадьбе Ивановка, на фоне  весеннего пейзажа с пышными кустами сирени. Завершает серию портрет “Сергей Васильевич Рахманинов” (1999) в котором выявлена творческая индивидуальность характера композитора. А.П.Краснов продолжает работу над серией парадных портретов участников ВОВ, начатую еще в 80-е годы. Для художника прошедшего войну, тяжелораненого под Киевом в 1944 году, эти мужественные люди близки по духу. “Портрет Н.В. Попова”, “Портрет профессора В.П.Баранова”,  “Портрет поэта И.С.Кучина”- один из самых выразительных. Ведущий тамбовский поэт был другом и единомышленником А.П.Краснова, в картине “Боевой 1918 год” (1959) И.С.Кучин послужил моделью для художника при создании одухотворенного образа бойца.
Неординарный подход в решении образа найден в картине Е.В.Соловьева “Бабушка Анастасия и ее дети”(1990 ТОКГ). Художник использует в композиции элементы иконографии - “клейма” по боковым сторонам произведения, объясняющие сюжет нелегкой судьбы героини, прообразом которой послужила бабушка художника.
Выразительные по трактовке образов портреты творческой интеллигенции пишет Юрий Петрович Батуров - “Портрет художницы-плакатиста В.А.Ждан”(1984), “Портрет скульптора Гусева” (1979). В обеих работах живописец тональными приемами выявляет лица и руки портретируемых. Прием не случаен, как известно, идеи художественных замыслов рождаются в мыслях творцов и находят свое материальное воплощение через кисти рук художников. В портретах художники смотрят на зрителя, но контакта глаз нет, они вроде бы и с нами, и в то же время они погружены в сои мысли в свою работу. Они творцы и их внутренний мир тайна для непосвященных.
Портреты своих “коллег по цеху” отличающиеся гармоничным колоритом и верностью найденной психологически-эмоциональной трактовки образов написаны Ю.П.Новиковым “Портрет С.Семенова” и В.В.Сизовым “Портрет тамбовского художника  А.Ф.Бучнева”.
Портрет становится ведущим жанром в творчестве А.П.Маринина. Автор предпочитает изображать модель в интерьере или среди вещей способных повествовательно рассказать о личности и роде занятий портретируемого, при этом художник хорошо “схватывает” характерные для модели жесты и позы за счет чего достигается естественность, отсутствие театральности и позирования.
Плодотворно работает в жанре портрета А.А.Харитонов, созданные им образы притягательны неопровержимой жизненной конкретностью, широкой амплитудой психологических характеристик. “Портрет мамы” - под влиянием теплого, искреннего чувства художник создал образ редкой душевной красоты и наполненности, сумел увидеть в портретном сходстве близкого человека штрихи, характеризующие большую человеческую судьбу. Тонко и выразительно написаны руки пожилой женщины - играющие роль важной биографической подробности - олицетворяющие годы прожитой трудовой жизни.
Кроме этого художник нередко расширяет границы портрета до жанрового звучания.  Что характерно выявляется в картинах “В салоне. Портрет Тамары Паниной” (1992), “Портрет С.В.Рахманинова. Начало.”(2005).
Картины И.Ф.Лимантовой дают возможность проследить развитие творческих поисков художницы в работе “Октябрь в пригородном лесу.” еще наблюдается некоторая статичность образов, позирование. В последующих произведениях И.Ф.Лимантова находит ”свое” - это портрет картина, рассказывающий легко и ненавязчиво о мире увлечений и интересов человека. Образы приобретают выразительность решения и психологическую глубину, исчезает постановочность, скованность фигур - это картина как приоткрытая дверь, дающая зрителю возможность увидеть человека в естественной обстановке со свойственными ему  эмоциями. Романтикой и ностальгией по прошлому навеян автопортрет “Бабушкино платье”. Как  символ, связывающий между собой время, в композицию введено зеркало.
Очарование детской непосредственности искусно передано Ниной  Викторовной Рябинской в портретах детей, “Портрет сына” (1989), “Портрет дочери” (1992), ранние работы решены в технике фактурных мазков, в дальнейшем художница использует более графическое решение, с применением лессировок “Тамбовская красавица. Портрет Ульяны”(2006).
Графичность в живописном решении присуща и портретам Михаила Васильевича Афанасьева, чаще использующего камерный тип портретов.

НАТЮРМОРТ.

В этом жанре прослеживаются следующие тенденции: в начале 80-х годов сохраняется востребованность тематических натюрмортов, и, что вполне естественно, активная работа живописцев в этом направлении. С 90-х годов натюрморт все чаще имеет салонную трактовку в решении композиции. Абстрактное решение композиций встречается в картинах ряда тамбовских живописцев:  это  натюрморты и пейзажи А.Л.Бубенцова, поиск цветовых соотношений в картинах И.Л.Бирюковой и В.И.Колесникова
В конце 70-х - начале 80-х годов в творчестве В.И.Шемякина был период увлечения тематическим натюрмортом: натюрморт “Стекло”(1980), натюрморт “Старые вещи” (1983), “Цыганский натюрморт” (1984, Германия, частная коллекция), “Чеснок” (1981. Мичуринский краеведческий музей). В натюрморте “Стекло” автор успешно реализует сложную задачу передать отражение и игру стеклянных пробирок и колб, стоящих на полке стеклянного шкафа.
“Натюрморт с лещами” (197) В.М.Семенова отличает оригинальная для подобного жанра динамичная композиция, которая достигается за счет вертикальных линий расположения предметов, например, стрелок зеленого лука. Четкость в передаче фактуры вещей и цветовых соотношений, теплые краски копченого леща и холодные оттенки фона. Удачно в тональном плане найдено живописное решение белой солонки и белых яиц, лежащих на белом платке.
Натюрморты Нины Сергеевны Балагуровой переносят зрителя то в атмосферу солнечного наполненного тишиной воскресного дня - “Натюрморт с лимоном” (1976), то в мир старой русской деревни, с ее переходящим из поколение в поколение укладом быта - “Дверь в житницу” (1979), “Северный”, “Воспоминания о жнице” (1981). Об этих  натюрмортах поэтично и образно пишет в каталоге о творчестве Н.С.Балагуровой искусствовед, старший научный сотрудник картиной галереи Е.И.Саляхова: “Воспоминания о жнице”- сплетались и клонились тяжелые зрелые колосья, в венце которых ждали крестьянку каравай хлеба, крынка молока, разложенные на чистом полотенце. Чуть в стороне лежали простенький платок и серп. Каждая деталь натюрморта обладала  своей красотой своим смыслом, но вместе они сливались в единый образ, в портрет неизвестной жницы, в наше представление о нем, пробуждая в зрителе сложные чувства радости бытия и окрашенного светлой грустью воспоминания об ушедшем.
“Воспоминание о жнице” вошло в цикл работ, посвященный русской деревенской старине. Вот натюрморт “Дверь в житницу” - на порожке старинной морщинистой двери крынка с молоком и на лопушке пучок земляники. И платочек  крестьянский тут же - будто ненароком оставленный. Куда эта дверь?! Может в прошлое, в детство, когда полумрак старой житницы вызывали сладкий ужас и восторг?! Реальность скрашивается ожиданием чуда, необыкновенности, обретает поэтичность.”
Натюрморты В.Н.Сизовой наглядно показывают насколько многообразно, изменчиво и неповторимо хрупкое царство, состоящее из еле уловимых, или наоборот насыщенных ароматов,  бархатистых упругих или прозрачно-нежных лепестков. Полевые цветы источник вдохновения художницы. Если о людях говорят, что есть похожие, но нет одинаковых, каждый человек уникален, то подобную  уникальность можно применить относительно букетов составленных и написанных В.Н.Сизовой. Ромашки, васильки, лютики, причудливо переплетаясь  в букетах, создают каждый раз новый, неповторимый образ то озорной, то лирический, то наполненный светом и радостью. Натюрморты отличаются легкостью и сочностью исполнения, умением при помощи фактурных мазков расставить необходимые живописные акценты. Часто используя нейтральный фон, художница все внимание зрителя сосредотачивает на букете.

Натюрморты с военной тематикой пришли в экспозиции всесоюзных выставок сравнительно недавно в середине 80-х годов. Когда заметно начали редеть ряды фронтовиков. Художники начинают осознавать события Великой Отечественной войны не только через победу оружия или через трагизм могил, но и вещи людей остающиеся после их ухода в мир иной - ордена, треугольники солдатских писем. В Тамбове подобные натюрморты мы встречаем в творчестве Л.Н.Кудрявцевой “Письма из 43”(2005) и Н.А.Насонова “Сундучок” (2005).

Для натюрмортов А.Л.Бубенцова характерным является фронтальные композиции, контрастный свет, глубокие тени, декоративность, движение от абстракции к реализму призваны внести драматичность содержания во внешне упрощенную форму и аскетизм цветового решения. “Натюрморт с лимоном” (2003).
П.Ю.Золотов “Натюрморт с бутылками” (199..) за счет ненаправленного освещения части заднего плана предметы сливаются, образуя авангардные пятна, они как мозаика выкладывают поверхность, зритель видит сначала формы согласованные по цвету и композиции, а потом начинает видеть отдельные предметы.
Борис Викторович Ткачев в его натюрмортах передача не только свойств, но и “характера” предметов - хрупкость  или светоносная игра стекла, фактура смятого листа бумаги. В случайном на первый взгляд совмещении предметов, при ближайшем рассмотрении оказывается философский смысл и гармония.  Аскетичность колорита и предметного наполнения не лишает картины магии и выразительности.
О.В.Краскова в натюрмортах часто обращается к декоративному решению холстов, не привлекает постановочный натюрморт, художница предпочитает работать, отталкиваясь от формальных цветовых пятен, постепенно выявляя художественно-композиционный строй полотна. Натюрморты с цветами решены в  легкой живописной манере, корпусные мазки придают выразительность композициям.

ПЕЙЗАЖ.
Пейзаж можно смело назвать самым распространенным жанром в творчестве тамбовских живописцев, это не является случайным, есть свое объяснение. Как сказал один из искусствоведов: “Для настоящего пейзажиста всегда было чрезвычайно важным и трудным найти увлекающий его мотив”. Изменчивая многоликая природа среднерусской полосы, улочки, хранящие естественное очарование провинции, задели творческие струны в душах многих живописцев.
Е.В.Рябинский - мастер пейзажей построенных на более интимных по звучанию мотивах со сложным переходным состоянием природы. Таковы картины “Туманное утро” (1973), “Черемуха цветет” (1979), “Вешние воды” (1979), “Березовый сок” (1979). В то же время Е.В.Рябинский обращается и к  эпическому  пейзажу. Знаковое произведение “Земля тамбовская” - это полотно можно смело считать одой Тамбовской земле-кормилице. Вытянутый формат холста усиливает впечатление бескрайности российских просторов. Мастерски передана вспаханная дышащая созиданием весенних полевых работ влажная черноземная почва, комья земли не выглядят тяжелым мрачным покровом они играют сложным колоритом от серо-сиреневатых до охристо-коричневых оттенков.
Восприятию природы А.П.Красновым созвучен лирический пейзаж “Подснежники” (1995),“Тихий вечер” (1996). Вспомним, что исторические картины  А.П.Краснова были связаны с периодом коллективизации. В 90-е годы, когда подобная тематика перестала быть актуальной, Алексей Павлович пережил немало критики своих исторических  картин. Спокойствие и вечная прелесть природы станет для него в это время отдушиной.

Мягкая, спокойная по цвету и тону манера исполнения в пейзажах Е.Ю.Ляпина “Зима в деревне” (1977), “Свежее утро.”(2005). Живописец очень тонко улавливает состояние природы и художественными средствами умеет хорошо выразить это в работе, особенностью творчества художника  является такой момент, что Е.Ю.Ляпин работает без подготовительных этюдов, сразу компонуя пейзаж в размер выбранного холста.
Напряженная, динамичная с плотным пастозным мазком манера исполнения у В.И.Шемякина, любящего мотивы дождливой и ветреной погоды - “Северный пейзаж” (1975), “Весна”(1978). В начале 90-х годов В.И.Шемякин, основываясь на натурных этюдах, выполненных во время поездок,  пишет серию работ “По северу”(1992). В нее входят картины “Ферапонтово”, “Старый дом”, “Осень на севере”, “Серебристый день”. Художник работает в технике “Аля-прима” используя густое наложение мазков - в одном мазке наблюдается целая цветовая палитра. В.И.Шемякина привлекает северная суровая архитектура и северный холодный колорит, включающий всю гамму оттенков серебра. Та же динамичная манера свойственна и пейзажам родного края “Цна зимой”, “Покровская церковь”, но выполнены они совершенно в ином колорите - даже синие и голубые тона приобретают более теплый оттенок.
“Тамбов уходящий” так назвал серию своих городских пейзажей А.А.Харитонов, созвучным это понятие оказалась не только ему, улицы, сохранившие первозданную застройку деревянную невысокую архитектуру в картинах Н.Г.Богданова, А.Е.Рябинского, А.П.Маринина, Т.А.Ольшанской Т.Перцевой, А.Н.Насонова. Такие работы как исторические документы,  сохраняющие через десятилетия то, что было. Нередко художниками проводится “реконструкция” того, каким был город до революции. Что мы видим в триптихе А.Н.Насонова “Берег прошлых лет”.

“Пейзаж-настроение” так условно можно назвать картины ряда художников умеющих раскрыть очарование самых внешне непримечательных мотивов. Пейзажи В.И.Кудрявцева “Колодец” (1997) или пейзаж В.Г.Янкина “Дуб патриарх” (1997). В них “целая жизнь” деревенского колодца с ключевой водой или ветвистого дерева. В полотнах М.И.Ипполитова присутствует сдержанная колористическая гамма, позволяющая интересно раскрыть неброскую красоту среднерусской полосы. Таковы картины “Майское утро” (1974), “Весенние дали Тамбовщины” (1975), “Осеннее утро” (1977). 
Для полотен Б.В.Ткачева характерен живописный аскетизм, его колористическая гамма не броская, но побуждающая к глубокому размышлению. Композиция, как правило, строится таким образом, что зритель стремиться вместе с автором подняться над видимым и заглянуть за линию горизонта. В зимних пейзажах присутствует контраст и напряженность, в осенних сдержанность, неповторимая цветовая гармония. Явно просматривается любовь живописца к туманам, таящим в себе недосказанность и загадку, к сухим травинкам, торчащим из снежного покрова.
Пейзажи И.Б.Белоусова и  С.С.Волостных открывают нам очарование провинциальных улочек Мичуринска, красоту среднерусской природы. И все та же индивидуальность взгляда С.С.Волостных. Оригинальная находка  пейзаж “На окраине Мичуринска”. Зритель видит покрывало снежного покрова, прописанное фактурными уверенными  мазками и уютное скопление деревянных одноэтажных  домиков - сквозь затейливую сетку ветвей дерева, расположенного на первом плане картины.
В пейзажах М.В.Зотова внимание зрителя привлекает колорит и эффект освещения. Художнику близки по звучанию такие состояния и явления природы как  восход или закат, радуга на фоне грозного неба, “Радуга над собором”(1996). Для В.М.Зотова свойственно много работать на пленере, причем пленэрные работы (как и ранние работы живописца начала 80-х годов), выполнены в более импрессионистской технике, а после уже в стенах мастерской натурные этюды реализуются в картины, близкие по манере исполнения к русской классической школе пейзажа. Нередко Зотов использует панорамные планы, позволяющие подчеркнуть русские просторы: диптих “Задонск” (2005), “Вечерний Тамбов” (2005).
Натурные этюды Павла Юрьевича Золотова отличает очень гармоничная и целостная композиция, работы, выполненные разрозненными фактурными мазками, выглядят как единое целое, некоторые имеют уровень картин. Кроме того, в них выявляется умение художника почувствовать природный колорит, психологию и “стиль” страны. Художник часто бывает за границей в египетских работах чувствуется знойная палящая атмосфера степенность жизни, в европейских - их деловитость, динамичность. В пейзажах родного города тонко прочувствованно состояние дня, прекрасно закомпонована архитектура.
Мировоззрению П.Ю.Золотова свойственно подмечать необычное в самых на первый взгляд обыденных явлениях. Так в  пейзаже “Апрель” (2006 собственность художника)  тонко передано весеннее трепетно-переменчивое состояние природы, зыбкая водная гладь весеннего разлива, изображенная на картине, переливается и играет различными оттенками красочной палитры - подобно спилу полудрагоценного агата, создавая эффект полного отсутствия земли. Лес поднимается из воды и отражается в ней вместе с бледным весенним небом, возникает ощущение полного отсутствия земного покрова. Сходящиеся к центру диагонали выделяющие светлое небо и отражение неба в воде придают картине динамику, усиливают эффект зыбкости воды наполняют композицию движением, ощущением простора и влажного весеннего воздуха. В городском пейзаже “Зимний день” (2005)  автор хорошо уловил колорит и атмосферу  присущую Тамбову, размеренность, неспешность жизни провинциального города. Четкое разделение планов при построении композиции создает впечатление пространства в картине, бледно-голубое небо усиливает впечатление морозного холодного дня.
В серии работ выполненных во время пребывания П.Ю.Золотова в Египте оригинальностью видения выделяется работа “Бедуины в пустыне” (2001) построенная на колористическом соотношении различных оттенков охры и желтого в песчаном покрове и насыщенного лазурью южного неба. Цветовым камертоном вносится красный тон покрывал на верблюдах.
О.В.Краскова, начинавшая работу с холстом с поисков в области портрета и натюрмортов с цветами, нашла “свои темы” в архитектурном пейзаже, чему способствовали заграничные поездки. “У каждого города своя гамма  - говорит художница. В Европе это серебристые тона успокоенность и размеренность жизни, темы города и моря. В Малайзии, наоборот, буйство красок, темы города и джунглей, где каждый метр пространства буквально отвоевывается у этих джунглей”.
В архитектурных пейзажах О.В.Красковой нередко присутствуют пастельные тона, силуэтное решение,  удачно вписанное в пространство холста “Белые ночи” (2005), ”Пляж Кнокке” (2002). Присутствие здесь проработки отдельных мелких деталей нарушило и раздробило бы целостность композиций. Небольшие вещи “Солнечный день” (2005), “У причала” (2004) очень живые и непосредственные, чувствуется, сделаны на импульсе под впечатлением увиденного. В более серьезных работах “Антверпен” (2003), “Гент. Бельгия” (2005), “Люксембургский мост” (2003) переданы характерные облики городов, остро ощущается природное состояние дня. Во всех работах чувствуется индивидуальное восприятие художницы, целостность собственного стиля.

I I  ГЛАВА.   Г Р А Ф И К А  И  С К У Л Ь П Т У Р А.

 СТАНКОВАЯ ГРАФИКА.
В 70-е - начале 80-х годов излюбленная техника линогравюра, позже А.Ф.Бучнев увлечется ксилографией. В Тамбове в станковой графике  работают С.А.Никитин, С.Т.Куксов, В.И.Желтиков, А.Ф.Бучнев, В.П.Прибытков. Обстоятельный в деталях жанровый рассказ о повседневной жизни  людей колхозного села лежит в основе произведений Сергея Алексеевича Никитина. В работах 80-х годов график обращается к цвету: “Осенние свадьбы” (1981), “С работы” (1984), “В пору покосов.”(1984). Немалое значение в работах, выполненных в технике гуаши, отводится пейзажному фону, органично дополняющему сюжетный замысел автора.
Виктор Иванович Желтиков (1933-1995) художник-пейзажист по ведущей направленности своего творчества, он разнообразно раскрывает в своих произведениях мир, окружающий человека со всеми его заботами и радостями. Работы художника имеют богатый колорит - это и тонкие живые этюды различных состояний природы, и монументально обобщенные пейзажные картины (насколько применимо данное понятие к листам станковой гравюры). Его эстампы и произведения, выполненные в других техниках, обращают зрителя то к напевным, пронизанным воздухом и светом видам сельской природы, то вводят в напряженный ритм жизни город и промышленных новостроек.
В.И.Желтиков постоянно ищет и успешно осваивает новые виды графических техник: различные виды офорта, включая цветной, монотипию, акватинту и т. д. В начале 80-х годов художник много работает над станковыми произведениями в технике рисунка карандашом, в том числе цветным (отметим здесь композицию “Зимний дворик” с видом из мастерской автора) и фломастером. Однако основным у него становится обращение к живописи, включая акварель, пастель, гуашь, а также непосредственно масло. Это большая серия акварелей написанных в селе Вислый Бор Тамбовского района, серия пейзажей Тамбова, в которой художник своеобразно сочетает традиции пленэрной живописи с несколько условным, в народном стиле декоративным началом. В 1983 году В.И.Желтиковов начал работу над новой серией пейзажей с видами Мичуринска в технике темперы - “Улица А.М.Герасимова” “Вид на краеведческий музей”.
В середине 1970-х годов Степан Тарасович Куксов начинает освоение новой для него техники гравюры - офорта. Техника офорта позволила художнику перейти к созданию более сложных композиций и обратится к жанру портрета. График нередко объединял листы в тематические серии: “Рыбаки Калининграда” (1974), “Авиация” (1975), “Будни милиции” (1977). По своему замыслу и воплощению, при  широте показа разных сторон жизни они являются целостными художественными произведениями. В то же время отдельные, составляющие их листы решаются как самостоятельные, вполне законченные по своему идейному и пластическому решению. С 80-х годов С.Т.Куксов начинается новый этап в творчестве графика, он отмечен работами, созданными гуашью. Тематика этих работ посвящена Тамбову, цвет придал его городским пейзажам строгую живописность, наполнил листы светом и воздухом.
Впечатления от поездки на север Алексей Федорович Бучнев выразил  в двух линогравюрах 1977 года - “Северная дорога” и “В Белозерске” - работы наполнены ощущением воздуха и простора. Тональная палитра графика в этот период высветляется, пейзаж становится шире, панорамнее, нередко используется композиция с высокой точки зрения.
А.Ф.Бучнев уделяет немало внимания малой графике - экслибрису. Его экслибрисы отмечены неистощимой изобретательностью композиционных решений, умением лаконичным набором атрибутов образно раскрыть мир увлечений человека. Обычно в них присутствует мягкий добрый юмор. К достоинствам экслибрисов автора относится удачное сочетание изображения и надписи, говорящей о владельце книги. Экслибрисы выполнены в технике ксилографии “Из книг В.Пешкова” (1971), “Из книг Б.С.Борнашова”(1974), экслибрис В.Ф.Ромашова (1979).
Виктор Петрович Прибытков не редко совмещает в своих работах жанры пейзажа и натюрморта, например, “Сентябрь” (1976). Компоновка работы строится следующим образом: открытое окно, на подоконнике тыква, хлеб цветок в горшке – элементы, составляющие натюрморт, а за открытым окном пейзаж. Выразительности график достигает за счет технической проработки переднего плана и обобщенности пейзажа.
Большая часть графических произведений Сергея Павловича Ушакова посвящено войне, основой для создания работ “Медсестры”, “Солдатский обед” (1982)  послужили рисунки и наброски, созданные на фронте.
В творчестве мичуринского графика Аркадия Васильевича Платицина в конце 70-х начале 80-х годов большое место заняла тема Великой Отечественной войны, график начинает работу над серией “Весна 45” в технике черной акварели.
В конце 70-х годов появляется новая группа молодых графиков - О.А.Гущин, Ю.Н.Гуняков, Ю.И.Зайцев, В.Т.Кошелев, В.А.Платицин.
Серии офортов “Девушки совхоза Россия” (1978), “Народные умельцы Тамбовщины” (1982-84) Олега Ивановича Гущина посвящены труженикам тамбовских сел. Безупречно владеет график умением передать настроение городского пейзажа, это качество проявилось в диптихе “Зимний город” (1986) выполненном в технике офорта, разворачивающем широкую панораму улиц и площадей Тамбова.
Юрий Николаевич Гуняков в 1984 году приступает к созданию серии офортов “Замечательные люди Тамбовщины”, включающей композиционные портреты первого тамбовского губернатора Г.Р.Державина, декабриста М.С.Лунина, Композитора С.В.Рахманинова, наркома иностранных дел Г.В.Чичерина.
Городской и сельский пейзаж с небольшими жанровыми сценками преобладает в произведениях В.Т.Кошелева цикл рисунков “Волоколамское направление”(198 ) и Ю.И.Зайцева серия “Крылатское небо”(1978 ).
Мичуринский график Василий Аркадьевич Платицин тонко владеет искусством карандашного рисунка и является приверженцем традиций реалистического искусства. Большинство произведений художника связано с русской природой, с его родными местами. Значительное место занимает тема  жизни и деятельности ученого-садовода И.В.Мичурина - “Осень пришла. Дом-музей И.В.Мичурина” и “Маньчжурский орех” (1983).

В конце 80-х начале 90-х годов в области графики начинает работу ряд молодых художников. Каждого графика характеризует своя индивидуальная манера исполнения - изысканная со сложным композиционным построением и техническим исполнением у В.В. Мягкова в триптихе “Город мастеров”, в графических листах посвященных теме С.В.Рахманинова. Поэтична и выразительна серия офортов  “По Польше” П.Ю.Золотова. Индивидуальны в исполнении, лаконичны и ненавязчивы графические листы “Зимний пейзаж в Мичуринске.” (2004), “Старые стены.”(2005) С.С.Волостных, посвященные родному городу художника. Линогравюры О.А.Гаврилова “Камень и дерево”(1994) свидетельствуют о способности их автора замечать интересные сюжеты в природе, оригинально сопоставлять живую и не живую природу. Работы, выполненные в технике гуаши: “Полынья” (1997), “Дорога на родину.” (1998) – имеют, несмотря на небольшой формат, эпическое звучание пейзажа, художник прекрасно владеет передачей воздушной среды и переменчивого солнечного освещения. Виртуозны и наполнены романтическим содержанием офорты В.И.Колесникова  “Лунная ночь” и “Иней”.
Графические листы А.Л.Бубенцова отличает умение автора найти выразительный художественный образ, интересно оригинально раскрыть тему. Триптих “День первый ... День последний.” посвящен событиям Великой Отечественной войны. График строит композицию на контрасте черного и красного, цвета крови и траура, ими пропитана война и одновременно красный цвет - цвет победы. Трагедия в слетающих листках календаря, в силуэтах уходящих на фронт солдат и даже в Победе остаются щемящие нотки - в миллионных жертвах войны, их образы как вечное напоминание отражает зеркало. Круглый стол с белой скатертью общий объединяющий элемент триптиха.
Владимир Вячеславович Пугачев его участие в художественной жизни города начинается с областной выставки 1987 года, где графиком было представлено 3 пейзажа в технике офорта “Весна идет”, “Сумерки”, “Осенний день”. Художника в это время интересуют пейзажи родного города, кроме офорта он еще осваивает технику ксилографии, в которой выполнена его работа 1991 года “Время собирать” изображающая Покровскую церковь. После этого в творчестве В.В.Пугачева начинается период поисков, художественно проявившийся в работе “Хождение по мукам” 1995 год. Поиск нового этапа заканчивается в 1996 году серией обрезных ксилографий стилизованных в лубочном варианте “Стрелец Иван Петров”, “Святитель Питирим”, “Тамбовский волк” (акварель бумага, применение локальных цветов). На региональной выставке 1997 года автор за этот триптих был награжден дипломом. Далее продолжая работать в лубочном стиле, но, применяя уже более живописное решение композиций, В.В.Пугачев создает новые работы в технике обрезной гравюры на дереве это “Петушиный бой”, “Перо птицы” (2001).
Легкие прозрачные акварели в жанрах портрета и натюрморта характерны в творчестве художниц преподающих в ДХШ. Работам Людмилы Анатольевны Яковлевой свойственны пастельные тона, прозрачность наложения красок, удачен в колорите и передаче характера “Портрет художника Бориса Ткачева”. Насыщенную тональную палитру  имеют акварельные работы Ларисы Алексеевны Налетовой “Натюрморт с арбузом.” (1997). Нежными перламутровыми оттенками играют акварельные натюрморты “Морская раковина” (1997) и “Берег моря” (1998) Тамары Михайловны Ивашенцевой.
Среди акварелей, выполненных в 80-е годы одной из старейших художниц Тамбова Таисией Николаевной Емельяновой, особой выразительностью по цветовому решению выделяются натюрморты с цветами: “Фиалки”, “Подсолнухи”(1981), “Гортензия”(1985), “Красные розы”(1986).
Уникальным явлением для Тамбова окажется творчество графика Алексея Юрьевича Медведева - по крайней мере, до него, художников увлекающихся серьезно сюрреализмом в городе не было. Этому есть свое объяснение - “...сюрреалистом может быть далеко не всякий, необходимо иметь особое видение, чувствовать ирреальное, а не рисовать все подряд- ботинки, гвозди, кузнечиков и т.д. на пустынном пейзаже а-ля Дали”. О наличии особенности мировосприятия у А.Ю.Медведева сейчас можно говорить с уверенностью. Его работы не были юношескими экспериментами с необычностью, желанием “быть не как все”. Вот уже более 20 лет уверенные линии рисунка и затейливый штрих “приводят” в мир реальный на белое пространство листа ирреальные образы и идеи.

СТАНКОВАЯ СКУЛЬПТУРА

Скульптура вид искусства, требующий значительных физических и материальных затрат. В советское время много заказов памятников и бюстов выдающихся людей. В скульптуре в середине 70-х - в 80-е годы на первом месте жанр портрета. В портретных композициях Сергея Ефимовича Лебедева явно прослеживается стремление раскрыть образ его современников, людей разных профессий и возраста, их характеры чувства мысли. Один из интересных портретов скульптора был представлен на Всесоюзной художественной выставке посвященной 40-летию Великой победы это портрет полного кавалера ордена славы Н.В.Попова (1985, дерево).
“Показать зрителю нашего земляка, нашего современника стало моей творческой потребностью. За редким исключением я делал портреты только тех людей чье имя связанно с нашей областью” - это слова другого тамбовского скульптора Константина Яковлевича Малофеева. Им была создана большая портретная галерея, в нее вошли портрет летчика-космонавта, почетного гражданина Тамбова Л.С.Демина (1975), портреты творческой интеллигенции - народного артиста СССР И.Н.Марина (1981), профессора московской консерватории В.К.Мержанова (1981), врача-хирурга В.Д.Бабенко (1982). “Художник удивительно тонко чувствует характер каждого портретируемого, умеет уловить и донести до зрителя с помощью пластических средств неповторимые особенности личности и сложной процесс внутренней жизни людей”.
В творчестве А.Ф.Бучнева помимо графики, проявляется интерес к работе над декоративной скульптурой в виде кресел и более мелких изделий из дерева. Любовь к дереву перешла к художнику от отца крестьянина из села Беломестная Двойня под Тамбовом, работавшего после переезда в город в начале тридцатых годов в тресте "Тамбовстрой". В свободное время он мастерил для дочери и младшего сына игрушки из дерева. Алексею Федоровичу особенно нравилась одна -движущаяся, с фигурами кузнеца и медведя. С малых лет он начал пробовать подражать отцу. Идущее с детских лет увлечение получило новый импульс в годы учебы будущего художника в московском училище на занятиях под руководством скульптора-анималиста В.А.Ватагина, а также при знакомстве с креслами из корней деревьев С.Т.Коненкова - "вечной мебелью", как он сам их называл. Немалую роль в работе А.Ф.Бучнева сыграли также традиции русской на­родной декоративной резьбы по дереву, включая отдельные образцы и мотивы орнамента.
История о старом парке рядом с домом художника, нашла свое продолжение не только в гравюре "Озеро моего детства", но и в настоящей творческой сказке, родившейся в мастерской А.Ф.Бучнева. Парк был вырублен под строительство, но А.Ф.Бучневу было жалко срубленных деревьев - на их месте торчали корявые пни. Художник выкорчевывает их, обрабатывает и перевозит в мастерскую и здесь обрубки мертвого сухого дерева вновь “оживают”, автор стремится максимально использовать в композиции естественные пластические формы дерева, органично дополняя их скульптурной резьбой, изображающей реальных или фантастических животных, птиц, рыб в технике горельефа или круглой скульптуры. Так появились  кресла “Воробей” (1972), “Лебедь” (1974, ТОКГ), “Семиголовый Горыныч” (1976, ТОКМ), “Пегас” (1976, ТОКГ), “Лесная сказка” (1976, ТОКМ). Фантазии художника помогали какой-нибудь сучок, изгиб, рисунок воло­кон в древесном пне, порой в каком-то кряжистом пне художник сразу видел самой природой за­ключенных в него сказочного коня или птицу и волей-неволей вынужден был "вы­зволить" их оттуда. Так появились: очень выразительное кресло "Царевна-лебедь" - просторное светлое, с трепетно склоненной головкой лебедя, увен­чанной короной, кресло "Дельфин" простое, обтекаемой формы, прикреплен­ный внизу металлический завиток - ассоциируется с гребнем морской волны, по которой легко и стремительно скользит дельфин. Кресло "Пегас" - массивное почти черное, как бы олицетворяющее темные сти­хийные силы природы, не случайно художник "доделывал" его огнем, чтобы обобщить форму и изменить окраску дерева.
Творческая деятельность Станислава Ивановича Загородникова началась в 1980 году. Первые работы были выполнены им в материале гипса, в дальнейшем скульптор перешел к работе с деревом и бронзой. В 1984 он участвует на Всесоюзной художественной выставке “Земля и люди” с работой “Кровельщик” (1984, дерево) в этой скульптуре автор максимально использует “все возможности” материала, начиная от рисунка волокон дерева который органично подчеркивают одежду персонажа, до самой монолитности целостности скульптуры. Хорошо передано движение, уверенность походки. В портрете “Ирина” (1988, дерево) лаконичное пластическое решение объемов, мягкие грани линий. Эти качества свойственны и для другой не менее выразительной работы автора “Филиппок”.
Василий Алексеевич Тихомиров работает в области композиционной скульптуры, для его работ характерна острая наблюдательность. Наиболее значительные работы “Король шутов Анатолий Дуров” (1984, бронза) как говорит сам скульптор: “- Памятники у нас обычно ставят чиновникам, генералам творческим людям - поэтам и писателям...”, а он решает сделать памятник клоуну, шуту, жившему в Одессе, и ездившему по городу на свинье, именно в этом варианте решает образ А.Дурова скульптор. “Пришел солдат домой” (1985, гипс) здесь все выражено в пластике скульптуры - пришел солдат домой, а дома-то и нет... Но сила духа русского солдата не сломлена, он победил не только фашизм, он способен победить и разруху в родной стране - взять топор построить заново дом. В конце 90х годов В.А.Тихомиров увлекается созданием резных, деревянных иконостасов.

Как в монументальной, так и в декоративной скульптуре неординарно проявляет себя семейная пара и  творческий тандем одновременно  Михаил Иванович Салычев и Наталия Сергеевна Цыцина. М.И.Салычев с 1985 года  работает в тамбовских производственных мастерских Художественного фонда РФ. Создает как небольшие скульптуры, так и монументальные произведения. В 80-е годы М.И.Салычев работает в основном над портретами. Особо выразительны в пластическом решении: портрет матери (1981, бронза), портрет сына (1982, мрамор). Н.С.Цыцина мастер малых форм в скульптуре, любимые материалы шамот, керамика. Пластика отличается мягкостью, плавностью линий и форм.  Скульптора увлекают темы дома и семьи, например, “Автопортрет с семьей” (1990) эту композицию отличает целостность и выразительность образно-пластического языка. “Хозяйка ночи” (2005), вечное рассуждение о параллелях женского и мужского мира найдено в интересной сложной по пластике скульптуре.
Обобщенные формы и декоративное решение “символа” Тамбова - волка. Скульпторам удалось найти нестандартный яркий образ голодного шерстистого зверя в лесу в ночь полнолунья, характерно и лаконично название - Вой”.
Новым веянием в Тамбове станет анималистическая скульптура Владимира Адольфовича Бирюкова. Льющиеся формы, которой уходят корнями к творчеству Саранского скульптора С.Д.Эрьзя. Впервые скульптуры В.А.Бирюкова появятся на выставках “Крыши” обретя своих поклонников и популярность.
Вечная тема о месте в этом мире короля и шута отразилась в творчестве В.В.Кулаева “Да здравствует король” (1990). Скульптору в пластику удалось заложить и азы философии.
Добрый юмор и поиск оригинальных сочетаний в небольших скульптурных произведениях В.В.Парамонова “Горячий асфальт” (1993) и “Пушкин в Михайловском”. Поэта, которого потомки привыкли представлять элегантным утонченным и возвышенным, скульптор представляет в овчинном тулупчике, в валенках - и это отнюдь не насмешка, в этом связь Александра Сергеевича с русскими сказками, рассказываемыми его няней Ариной Родионовной, морозными зимними вечерами, с простым русским народом. Или “Горячий асфальт” – нет, это не издевка над образом труженицы - это наша, увы, действительность в коей и шпалы и асфальт укладываются женщинами, которые и “коня на скаку останавливают и в горящую избу, если надо войти не постесняются…” Образ лаконичен, выразителен в пластике, подмечено и найдено характерное движение укладчицы.

III.  Г Л А В А.  
Д Е К О Р А Т И В НО-П Р И К Л А Д Н О Е  И С К У С С Т В О.

ГОБЕЛЕН. БАТИК.

Гобелен и безворсовый ковер колоссальный и редкий труд. В XIX веке в Моршанском уезде ткали безворсовые ковры с черным фоном и яркими красными цветами. Но крестьянский промысел далее не получил развитие. В Тамбове искусство ткачества гобеленов развивается с середины 70-х годов ХХ века  благодаря творчеству Н.С.Балагуровой и А.В.Ладыгиой. Как особенность, можно отметить, что тамбовские гобелены сюжетные, уходящие своими корнями к прибалтийским истокам.  К началу 80-х в этой технике работают  А.А.Разина и О.А.Голунова. В 90-х годах эпизодически к ткачеству гобеленов обращается Е.К.Егорова, интересна ее работа “Колокол”, где художница использует объемную конструкцию. Небольшие гобелены для интерьеров квартир выполняются И.И.Пугачевой-Мироновой и А.Б.Балагурова. Каждая из художниц обладает своим подчерком, темами и индивидуальным подходом в решении колористической гаммы гобелена.

ВМЕСТО  ЗАКЛЮЧЕНИЯ
Чтобы не получилось как в известном выражении: “Начали за здравие, да закончили за упокой” начнем подводить итоги с проблемных моментов. Столичные художественные ВУЗы и музеи сейчас активно проводят “политику” поддержки таких видов искусства как графика и скульптура. Это делается за счет организации выставок и направленности научно-искусствоведческой работы. Поводом к этому послужил повальный переход художников графиков и прикладников к работе в технике масляной живописи. В Тамбове с экспозиций областных выставок исчезли работы в технике офорта и ксилографии. Гобелены и батик  сохранились в основном в творчестве художников, которые преподают в ДХШ. Корни проблемы уходят все в те же 90-е годы ХХ  столетия. Основных причин две: первая не востребованность творческих работ выполненных в этих видах искусства  - музеи, как отмечалось выше, закупку для фондов в этот период практически не производят, а у  частного покупателя вкус и спрос формируется в основном вокруг жанра пейзажа в технике холст, масло. Вероятно, это ответ общества на политическую нестабильность захотелось чего-то спокойного и красивого хотя бы в интерьере квартиры. Из первой причины появится вторая - спрос породит предложения, а выльется в итоге это в следующее. Работа  в графике (ксилография, офорт) или в скульптуре требует высоких профессиональных навыков - одно неточное или не продуманное движение резца ксилографа или скульптора может привести к порче создаваемого произведения, неточный мазок кисти с масляной краской выправить гораздо  легче, именно поэтому графику и скульптуру считают первичными по отношению к живописи. Спрос на подобные картины приведет к тому, что в живописцы “запишется” много  людей, не имеющих специального художественного образования. Несколько странно складывающееся в обществе мнение, что для того чтобы стать живописцем нет надобности в безупречном владении академическим рисунком, нет надобности в получении специального образования - достаточно лишь личного желания холста кисти и красок. График перешедший на живопись, это, по крайней мере, художник с безупречном образованием, а пополнение Союза художников за счет любителей приведет к снижению планки организации. Поэтому актуальным остается вопрос о поддержке молодежи поступающей в художественные ВУЗы. Ведь это только на первый взгляд “живописец-любитель” звучит менее страшно чем “архитектор-любитель”, или “хирург-любитель”. Второе просто быстрее проявится в гибели людей, а первое приведет к снижению уровня культуры, к ее разрушению.
Налицо проблема отсутствия в городе достаточного числа профессиональных галерейщиков и искусствоведов способных восстановить надломленное звено: художник - зритель знаток и ценитель искусства, способных увлечь молодое поколение искусством. На выставки приходит старшее поколение, сформированное в советское время, а если молодежь, то чаще, если участник выставки их преподаватель. Корни проблемы все в тех же 90-х годах. Изменение ценностей произошло, необходимы люди, которые смогут формировать и “доносить” их зрительской аудитории.
Союз художников за последние три десятилетия “постарел” на 11 лет (средний возраст 1976 - 45 лет, 2006 - 56 лет) - Это говорит об отсутствие в организации поколения тридцатилетних художников, как раз того поколения чей выбор профессионального образования пришелся на 90-е годы. Как показывают статистические данные, в это время молодое поколение стремится получить юридическое и экономическое образование, ассоциирующееся с понятием стабильности и высоких заработков. “Творчество” и “стабильность” в истории тождественными понятиями как-то никогда не являлись, не мало примеров, когда и известные художники оказывались в нищете и на “голодном пайке”.
Положительным в советский период была закупка нескольких лучших произведений с областных выставок. Если даже приобретали 2-3 картины, знание самого этого момента, давало стимул десятку художников работать по верхнему уровню своей планки в надежде, что именно его картину приобретут. Уровень творческих работ и выставок был выше, сейчас нередко на областные выставки идут “салонные” картины в надежде, что их купит зритель.
В 90-е годы многое стало зависеть от человеческого фактора, а точнее от личностных данных председателей Союза художников, людям творческим самостоятельно придется решать не только проблемы транспортировки картин на выставки, но и  экономические и ремонтные проблемы в здании. Тамбовскому отделению Союза художников с председателями повезло. В 1997 году при В.В.Мягкове в здании расположенном по Гоголя 6, на втором этаже будет организован художественный Салон, который в этот сложный период явится финансовой поддержкой для художников, члены С.Х. смогут выставлять там произведения для приобретения покупателями. О теме арт-рынка в Тамбове хочется поговорить отдельно.
Новейшая история российской культуры еще только начинает осмысливаться.  Рыночные отношения вернули в реальность проблему купли-продажи художественных работ. В жизни  идеальная цепочка: творец - восторженный образованный поклонник - обеспеченный покупатель, уважающий замысел творца, может выглядеть совсем иначе. Менее всего оказались подготовлены к цивилизованной торговле произведениями искусства провинциальные города, никогда не являвшиеся центрами туризма. Нередко единственно возможный покупатель – это житель этого же города. А это накладывает отпечаток на сюжет (чаще хочется чего-то узнаваемого), художественное направление (реализм как-то попривычнее), цену, технику, формат, дизайн оформления. Областной город Тамбов в доперестроечные времена не имел постоянных мест торговли произведениями современного искусства и антиквариата. Сделки с ними совершались только через госзаказ или частным порядком. За последние десять лет ситуация изменилась. С помощью членов тамбовской организации союза художников мы решили исследовать проблему взаимоотношения творческих замыслов с прозой жизни.
После ликвидации в 1997 году Тамбовских художественно-производственных мастерских Художественного фонда РСФСР, дававших художникам официальные государственные заказы на выполнение работ, и поддерживающих творческую интеллигенцию материально, люди вынуждены были искать пути заработка сами.
В Тамбове конца 1990-х появились два места для свободной продажи новых произведений искусства, в основном, живописи. Одно из них, в подражание московскому Арбату, находилось под открытым небом на бойкой улочке недалеко от центрального рынка. Горожане назвали его «стена художников».  Сюда устремились люди, считающие, что умеют хорошо рисовать. У некоторых из них есть какое-то соответствующее образование, но много и самоучек. Профессиональный уровень выставляемых на стене на продажу работ разный. Преобладают любительские полотна, быстро реагирующие на покупательский спрос. Здесь есть авторские работы. Но много копий, рисунков по мотивам фотографий и репродукций. С некоторыми ремесленниками-продавцами можно договориться  о сходной цене, картине под колорит обоев или по размеру свободного места в комнате. Неподготовленному потенциальному покупателю легко внушают, что именно так сейчас модно. Поэтому знатоки живописи иногда в шутку называют этот рыночек «стеной плача». Члены тамбовской организации союза художников избегали и избегают выставлять свои работы в этом месте.
Многие горожане, не отягощенные азами художественного образования и вкуса, искренне считают, что современная живопись выглядит только так. Профессиональные выставки они не посещают, а слухи о моде на живопись в интерьере до них уже докатились. Нередко здесь приобретают коллективные подарки к семейным торжествам, исходя из критериев: «подешевле, побольше и покрасивше». Уже издали видны ярчайше-пестрые закаты и восходы, белые лебеди, заводи с лилиями и тамбовские волки в лунные зимние ночи. Продавцы всегда посоветуют, что выбрать к свадьбе, юбилею, новоселью или евроремонту. Эдакие модные открытки маслом на холсте и в золоченом багете.
Члены союза художников стали реализовывать свои картины через созданный ими салон.   Первоначально Художественный Салон был открыт на ул. Интернациональной, затем перенесен в здание Тамбовского регионального отделения Союза художников. Тамбовский Союз художников в данный момент насчитывает 74 человека. 32 человека регулярно выставляют свои произведения в Салоне.
Оставим на время суету городских улиц и войдем в Художественный Салон тамбовской организации Союза художников. Возьмем за основу утверждение, что здесь нет работ “любителей”. В Салон имеют право представлять работы только члены Союза художников РФ, а это люди, получившие фундаментальное художественное образование, участвовавшие в областных, региональных, зональных, всероссийских выставках, куда работы художников отбираются выставкомом, состоящим из профессионалов. Социально-профессиональный портрет тамбовских художников выглядит так. Средний возраст  45 –50 лет. Очень многие после детской тамбовской художественной школы оканчивали Пензенское художественное училище имени К.А.Савицкого или художественно-графическое отделение Тамбовского педагогического училища № 2 (ныне педколледж).
Мужчин примерно две трети от общего числа членов союза. Они предпочитают выставлять масляную живопись, скульптуру. Отдают предпочтение портрету (в том числе в интерьере), пейзажу, натюрморту, но не цветочному. Из всего обилия цветов предпочитают писать сирень. Жанровые современные и исторические полотна создаются очень немногими и редко продаются в салоне. Мужчины отдают дань краеведческой тематике. Администрации города и области, учебных заведений  любят украшать интерьеры учреждений портретами, героями которых становятся Г.Р. Державин, С.В. Рахманинов и другие знаменитые земляки. Для представительских подарков заказываются скульптуры тамбовского волка.
Женщины отдают предпочтение разнообразным цветочным натюрмортам, лирическим пейзажам, портретам. Только они работают в технике батика и гобелена. Акварели очень редко выставляются в салоне и еще реже покупаются. Создающие их художницы очень сожалеют о невнимании провинциалов к этой общепризнанной в мире технике. Их удивляет, что популярные в европейских странах   для украшения именно жилых интерьеров яркие прозрачные эмоциональные рисунки отвергаются нашими покупателями. Шансы на продажу масляной живописи многократно выше.
Нас интересовал вопрос, насколько художники удовлетворены возможностями  Салона. Оказалось, что такие графические техники как офорт, линогравюра, ксилография не представлены в нем вовсе, и отнюдь, не потому что нет специалистов в этой области искусства. К огорчению творцов на эту технику нет потребительского спроса на местном рынке. Поэтому многие художники, работавшие в области графики, в начале 90-х годов перешли на более востребованную Салоном технику масла. Графика осталась лишь в творчестве А.Ю.Медведева, работающего в авторской технике бумага цветной карандаш. Творчество этого художника не подвластно конъюнктуре. По словам А.Ю.Медведева, его работами чаще интересуются люди из столицы, приезжающие в Тамбов, или иностранцы. За 2006 год через Салон было продано только две его работы с цветами.
Не пользуется спросом скульптура. Мелкой пластики в Салоне не наблюдается, а крупногабаритные статуи работы Н.С.Цыциной и М.И.Салычева, представленные здесь, мало вхожи в стандартные хрущевки или брежневки. А владельцы современных особняков предпочитают новоделу произведения антиквариата.
Декоративно-прикладное искусство вызывает интерес на выставках, но плохо реализуется. Батик покупают редко, задавая продавцам вопрос: “А что с ним делать если запылится?”.  Неплохо покупаются небольшие гобелены с цветами. У тамбовских властей не так давно пользовался спросом гобелен с гербом Тамбова, выполненный художницей А.В.Ладыгиной. Она неоднократно делала его повторение.
В масляной живописи самый популярный жанр пейзаж. Покупатель отдает предпочтение спокойным мотивам тамбовской природы - лес, луг, река в разное время года. Некоторым нравится прелесть весны, яркие светлые краски лета в пейзажах В.И.Кудрявцева, кому-то завораживающий иней и игра глубоких синих теней снега в работах Т.А.Ольшанской. Размеры разные. Крупногабаритные работы покупают в подарок, небольшие – для себя. Среди городских пейзажей доминируют тамбовские виды с изображением церквей. Чаще всего это панорамы Набережной. Это даже не столько спрос, сколько дань современной моде. Но некоторые покупатели избегают покупать пейзаж с религиозной архитектурой, говоря, что церковь и крест - это символы смирения, терпения. Редко находят покупателя работы с  другими зданиями Тамбова (памятники архитектуры, старые дворики и тому подобное). Полностью отсутствует спрос и предложение на изображения новоотстроенных особняков и многоэтажек.
Натюрморт покупают в основном в столовую или на кухню, соотнося размеры с габаритами помещения. Пользуются популярностью натюрморты с цветами. Натюрморт Н.В.Рябинской “Сирень”, первый вариант которого написан в 1991г., в последствие воспроизводился художницей в разных вариациях десятки раз, так как пользовался успехом у покупателей. Хорошо приобретаются натюрморты с букетами цветов В.Н.Сизовой. По мнению покупателей, они гармонично вписываются как в интерьеры гостиной, столовой, так и спальни.
Весьма редко приобретаются тематические картины, поэтому и в Салон художники их почти не выставляют. Сейчас на выставке представлена работа О.В.Красковой «Волхвы», посвященная рождественской тематике. Как говорит сама художница: «Пусть повисит, потом заберу, вряд ли продастся». А.В.Арбузов, А.А.Харитонов, Б.М.Ольшанский, А.Л.Бубенцов, В.В.Сизов - нередко обращаются к тематическим картинам, практически зная, что картина после выставок вернется в мастерскую. Просто у них есть потребность в творческой работе не на Салон.
Заметна разница в отношении творцов к своим работам. Кто-то говорит, что «лучшее распродано, хотя надо бы сохранить для выставки, но жизненные обстоятельства заставляют». Это, в основном, пейзажисты и работающие в жанре натюрморта. Другие, например О.А.Гаврилов, для Салона пишет пейзажи, а “для души” абстрактные композиции остающиеся в мастерской художника.
Цена на картину в салоне зависит от разных факторов. Заслуженные и народные художники оценивают свои полотна до 50 тысяч рублей, «нетитулованные» - до 7 тысяч. Львиную долю цены поглощает цена исходных материалов и оформления творческой работы. Особенно дорого оформить графику, где помимо багета требуется паспарту и стекло (в среднем 2000 рублей). При обширном ассортименте багета нередко художник не может подобрать удовлетворяющее его обрамление работы по цене и стилю. Часто, если картина не писалась под заказ и оформление не оговорено с заказчиком, делается выбор в сторону более дешевого багета. Тогда возрастает шанс ее покупки, но нарушается целостность художественного восприятия.
Смотрители залов различают покупателей и поклонников искусства. Первых интересует цена, мода, размер, сюжет, колорит. Они легко выбирают картину и так же легко соглашаются на ее замену похожей, но подешевле. Вторые осознанно воспринимают произведение искусства с художественно-эстетической точки зрения. Порой не один раз приходят посмотреть, обсуждают достоинства со смотрителем. Поклонники располагают более скромными средствами, нередко просят снизить цену на понравившуюся картину, но в случае отказа не выбирают другую, более дешевую, а уходят без покупки. Есть и зрители, регулярно навещающие салон, разбирающиеся в изобразительном искусстве, знающие творчество любимых мастеров, но никогда не делающие покупок.  С заранее известными заказчиками имеют дело, в основном портретисты.
К сожалению художников, работа Салона сориентирована только на людей, решивших, что им необходима покупка картины, как любого другого модного товара. Поклонники и знатоки искусства оставлены за пределами его внимания. Нет должной рекламы выставок, творческих встреч с городской интеллигенцией, студентами. Редко и пока неумело проводятся аукционы и беспроигрышные лотереи. Делаются только первые шаги в эту сторону. В результате художники вынуждены подстраиваться под запросы той публики, которая привлечена Салоном. Нельзя говорить о творческом кризисе авторов, но можно говорить об их затрудненных контактах с провинциальными ценителями современного искусства. Этот процесс отягощен еще и относительно низкой покупательной способностью многих заинтересованных посетителей Салона, а также наличием у них интерьеров, достойных работ мастеров.
В 2005 году по инициативе председателя Союза П.Ю.Золотова на третьем этаже здания будет оборудован выставочный зал, где тамбовские живописцы, графики, скульпторы получили возможность представить свои произведения жителям и гостям города. Здесь проходят как персональные, так и совместные выставки тамбовских художников. Открытие зала не решило до конца, но в какой-то степени сняло остроту проблемы, что творчество тамбовских творцов в городе ни как не представлено.
Радует обстоятельство, что не смотря на все сложности в большей своей массе люди не перешли исключительно на заказы и на Салон - остается главенствующим творческий подход. Работает ядро художники по-прежнему стремящихся передать свое мировоззрение, волнующие темы дней минувших и нынешних, красоту природы зрителю посредством выставок.
Тамбовские художники регулярно принимают участие в крупных выставках - всероссийских, региональных, международных. Есть художники, которые устраивают персональные и групповые выставки за рубежом, представляют свои произведения заграничному зрителю и давая ему представление о художественной жизни русской провинции.

l Главная ll Художники ll События ll Архив ll Контакт l